Клюев В. Фестиваль драматического искусства ГДР в СССР

Праздничная атмосфера царила в дни завершающего этапа фестиваля драматического Искусства Германской Демократической Республики в СССР [1], когда в Москве собрались мастера театрального искусства, принимавшие участие в этом интереснейшем смотре. В присутствии представительной делегации деятелей культуры ГДР председатель жюри фестиваля народный артист СССР М. Царев вручил дипломы и грамоты создателям лучших спектаклей – режиссерам и актерам, художникам и композиторам, крупнейшим мастерам советского театра и молодежи.

Фестивали драматического искусства социалистических стран в Советском Союзе давно стали традицией. Тем не менее этот фестиваль был особенным, поскольку он был первым смотром работы наших театров над драматургией ГДР. Около 120 театров приняли в нем участие. География смотра: от Сыктывкара до Еревана, от Бреста до Петропавловска-на-Камчатке – вся наша огромная страна. Театры готовили премьеры специально для участия в фестивале, а также пересматривали те спектакли, которые уже не первый сезон находились в репертуаре. Это немаловажно: ведь, в конечном итоге, лучшим доказательством добротного спектакля является длительное сохранение его в репертуаре. Жюри отметило работы А. Степановой в “Марии Стюарт” Ф. Шиллера (Московский Художественный театр) [2], М. Царева и молодых актрис Н. Корниенко и Н. Вилькиной в “Перед заходом солнца” Г. Гауптмана (Малый театр) [3], режиссера того же спектакля Л. Хейфеца; постановщика спектаклей “Добрый человек из Сезуана” и “Жизнь Галилея” [4] Б. Брехта в Московском театре драмы и комедии Ю. Любимова. Отмечены были также исполнение А. Поповым роли Галилея (“Жизнь Галилея” Б. Брехта, МХАТ) [5], Б. Хотяновым роли Эриксена в спектакле “Отчасти из-за любви” К. Райха (Петрозаводский русский драматический театр [6]), В. Остропольским роли Пунтилы (“Господин Пунтила и его слуга Матти” Б. Брехта в Казанском Большом драматическом театре имени В.И. Качалова) [7]; режиссеры А. Бородин за спектакль “Жизнь Галилея” [8] в Кировском театре юного зрителя и М. Жилицкая за спектакль “Мамаша Кураж и ее дети” в Шадринском городском [9] театре, и еще многие, многие работы участников фестиваля.

В репертуарной афише фестиваля были представлены как современные авторы, молодые драматурги Германской Демократической Республики, так и классика.

Министерство культуры СССР привела большую подготовительную работы: были впервые переведены на русский язык десятки новых пьес, многие из которых затем получили сценическое воплощение. Знакомство с ними, несомненно, важно и плодотворно как для деятелей театра, так и для зрителей, ибо фестиваль – не кампания, а лишь этап огромной работы над освоением классического наследия и сегодняшней театральной культуры ГДР.

Значительное место в репертуаре смотра заняла драматургия Фридриха Шиллера. И это вполне закономерно: Ф. Шиллера издавна высоко ценим русским и многонациональным советским театром. Еще до Октябрьской революции его драмы почитались в русском театральном искусстве как поистине современные пьесы. Они были борцами против гнета тирании, воспитывали гражданское мужество. Величайшие артисты русского театра обращались к Ф. Шиллеру, к его героям как носителям светлых, благородных идей.

После Великого Октября молодой советский театр принял эту эстафету.

Ленинградский Большой драматический театр открылся пьесой Ф. Шиллера “Дон Карлос”. “Разбойники” [10], “Коварство и любовь” ставились десятками театров и самодеятельных коллективов, выступавших на фронтах гражданской войны, они были поистине революционными пьесами, поднимающими дух бойца. Позднее драматургия Ф. Шиллера стала неотъемлемой частью репертуара многих, подчас только нарождающихся национальных театров страны. Романтизм, революционный пафос этой драматургии оказался близок молодому советскому театру.

Из постановок пьес Ф. Шиллера, показанных в рамках фестиваля, остановимся на спектакле “Разбойники” в Московском театре имени А.С. Пушкина [11]. Все в нем молодо – от постановщика А. Говорухи, художницы Е. Качалаевой, композитора М. Минкова до исполнителей главных ролей, из которых следует, на мой взгляд, отменить В. Безрукова (Карл Моор), Р. Вильдана (Шпигельберг), В. Григорьева (Роллер) и В. Алентову (Амалия). Молодым задором, энергией, подчас даже чрезмерной, излишне экспрессивной пронизан этот спектакль. Сцены многочисленных поединков и схваток сыграны мастерски, буквально головоломно, актеры движутся с цирковой ловкостью.

Что же касается интеллектуального, духовного наполнения спектакля, то тут театром еще не все сделано, ощущается недостаточность такого наполнения, – отчасти это связано, по-видимому, с односторонней трактовкой образа Франца Моора (К. Григорьев) как романтического злодея.

Постановки пьес Ф. Шиллера были показаны не только театрами РСФСР, но и Украины, Грузии, Узбекистана, Белоруссии, Армении. Думая о них, невольно задаешь себе вопрос: как играть Ф. Шиллера сегодня? Исполнители оказываются иногда архаических драм, тяготея к устаревшим приемам, и тогда традиция превращается в традиционализм.

Из драматургов ГДР исключительное внимание на фестивале было оказано Бертольту Брехту: свыше сорока спектаклей. Интерес к его драматургии обусловлен многими причинами, разными по своей сущности. Разумеется, привлекают внимание собственно драмы Б. Брехта как произведения в высокой степени философские, как большая литература. Но не только это Б. Брехт выдвигает перед театрами трудности особого порядка, сложные практически-творческие задачи, решать которые наши театры должны, опираясь на собственные национальные традиции, на мастерство своей национальной школы. Пытаться вместо этого создавать некие копии спектаклей брехтовского театра “Берлинер Ансамбль” было бы и не только нецелесообразно, но и творчески бесплодно.

Фестиваль свидетельствовал о том, что в нашей освоении брехтовского наследия произошел весьма существенный, качественный сдвиг. Прежде всего, мы перестали рассматривать Б. Брехта как узко понимаемого злободневного драматурга и открыли в его творчестве огромное философское содержание. Отрадно, что театры все настойчивее ищут собственный путь к Брехту, во многом определяемый конкретный национальной актерской школой, традицией. И тут они идут не против Б. Брехта, а вслед за Б. Брехтом, который сам не уставал повторять, что найденный им метод – всего лишь один из многих. Дело не в некоем “слиянии” творческих методов К. С. Станиславского и Б. Брехта, как это иногда пытаются представить, а в умении вскрыть глубокое философское содержание брехтовской драматургии средствами, которые искони присущи русскому театру, нашим национальным театральным школам.

Ю. Любимов предложил прочтение “Жизни Галилея” Б. Брехта как драматурга, так сказать, “агитационного” склада. Другую возможность прочтения того же произведения продемонстрировал МХАТ [12]. Режиссер В. Богомолов пытался дойти до глубокой социально-философской сущности брехтовской драмы. Самый факт обращения МХАТ к драматургии Б. Брехта весьма знаменателен: спектакль должен был доказать, что Б. Брехт вовсе не противопоказан театру К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко. Наиболее интересной в этом отношении оказалась работа А. Попова. Характер его Галилея раскрывается в широком многообразии проявлений, каким он и написан Б. Брехтом. Но героя А. Попова недостает в спектакле тех могущественных противников, с которыми Галилей Б. Брехта ведет борьбу не на жизнь, а на смерть. В сценическом бытии врагов Галилея нет необходимого накала борьбы, который так удачно передают и оформление И. Сумбаташвили, и введенная в действие органная музыка. Б. Брехт говорил, что его “Галилей” – пьеса не столько о великом ученом, сколько о наступившей новой великой эпохе. Эта мысль в спектакле МХАТ пока еще не передана, одна сцена карнавала не дает возможности ощутить ренессансный дух галилеевского свершения и падения.

Из большой брехтовской драматургии на фестивале чаще других оказались представленными “Мамаша Кураж и ее дети”, “Трехгрошовая опера” и “Карьера Артуро Уи”. В большинстве постановок “Мамаши Кураж” мы увидели философскую притчу о том, какая кара постигает человека, совершившего однажды “великую капитуляцию”. Это отчетливо проявилось, в частности, в спектаклях Бакинского русского театра имени Самеда Вургуна и Березниковского городского театра.

Режиссеры Д. Селимова и А. Матвеев – каждый по-своему подняли и решили именно эту тему [13].

“Карьера Артуро Уи” – это яркий трагический гротеск, обличающий пафос которого волнует по сей день, поскольку живы еще те силы, которые порождают фашизм.

Именно таким предстало это произведение в постановках Тернопольского театра имени Т. Г. Шевченко и Хмельницкого театра имени Г.И. Петровского на Украине, русского драматического театра имени М. Горького в Махачкале [14]. Последний спектакль (режиссер А. Щекочихин) отмечен чертами яркого памфлета, использованием острых приемов. Очень цельной, публицистические страстной представляется работа молодого режиссера В. Булатовой в Хмельницком театре, примечательная не столько индивидуальным актерским мастерством, сколько единством решения всего образа спектакля.

“Трехгрошовая опера” – едва ли не самая популярная пьеса Б. Брехта на нашей сцене.

Правда. это не означает, что каждая постановка этой пьесы удачна. Из показанных на данном фестивале “Трехгрошовых опер” хочется остановиться на работе режиссера Г. Дроздова в Воронежском драматическом театре имени А. Кольцова [15]. И вовсе не потому, что она безупречна: в спектакле, на мой взгляд, многое еще нуждается в доработке. Особого внимания постановка заслуживает потому, что уж очень молоды ее ведущие исполнители. Поначалу это был дипломный спектакль, Воронежского института искусств, затем некоторые его участники стали актерами драматического театра. Вместе с опытными исполнителями они и создали темпераментный, заразительный политически-острый спектакль, в котором особенно выделяется совсем еще молодой актер А. Мамедов в роли Мекки Мессера.

Наряду с оригинальными произведениями на фестивале были показаны инсценировки и пьесы, созданные по мотивам известных прозаических произведений. Рижский Художественный театр имени Яна Райниса (режиссер А. Лининь) поставил собственную инсценировку широко известного в ГДР романа видного писателя Эрвина Штриттматтера “Оле Бинкоп” [16]. И надо сказать, что это – одна из тех фестивальных работ, где наиболее интересно показана современная жизнь тружеников ГДР с ее специфическими проблемами. В этом отношении заслуживает внимания и постановка Литературного театра ВТО “Когда он придет?” Райнера Керндля [17].

К прозаическим произведениям известных прогрессивных немецкий писателей обратились и Новосибирский театр “Красный факел”, создавший инсценировку по роману Г. Фаллады “Каждый умирает в одиночку” (режиссер В. Кузьмин [18]), и Московский театр имени ленинского комсомола, показавший “Ясновидящего” Л. Фейхтвангера – трагический фарс по мотивам романа “Братья Лаутензак”.

Постановщик “Ясновидящего” М. Захаров известен [19] как режиссер, не впервые обращающийся к драматургии ГДР: достаточно вспомнить его “Карьеру Артуро Уи” в студенческом театре МГУ (постановка совместно с С. Юткевичем), “Мамашу Кураж” в Театре сатиры. Жанр пьесы определил и жанр спектакля “Ясновидящий”, в котором пока не очень уживаются трагические, психологически насыщенные моменты с явной тенденцией режиссера решить этот спектакль, в манере его же постановки “Карьеры Артуро Уи” [20]. Режиссера, конечно же, интересовала не столь психологическая партитура спектакля, сколько броская публицистичность, связанная с разоблачением гитлеризма.

Поэтому апофеозом “Ясновидящего” оказался его откровенно фарсовый финал.

Но театру не всегда удается подчинить своему замыслу мощный реалистический материал романа Л. Фейхтвангера. Отсюда – противоречия спектакля. Менее удался образ Оскара (А. Гомиашвили), в котором очень важная психологическая линия.

Несомненные актерские удачи спектакля связаны с гротеском, фарсовой остротой: это прежде всего Е. Фадеева в роли Баронессы фон Третнов, О. Янковский в роли Гансйорга Лаутензака (особенно в первой половине спектакля), а также В. Ларионов и В. Корецкий в ролях Проэля и Фюрера.

Интересной оказались оригинальная работа Ленинградского театра имени Ленсовета, который показал своего рода монтаж из сцен немецких классических и брехтовских произведений. В поставленном И. Владимировым спектакле “Люди и страсти” [21] привлекает своим высоким мастерством А. Фрейндлих.

В советском театре стало традицией приглашать мастеров театрального искусства социалистических стран для постановки произведений своих национальных драматургов. Так, Московский театр имени М.Н. Ермоловой поручил главному режиссеру Магдебургского театра Петеру Зоданну постановку пьесы современного драматурга ГДР Альфреда Матуше “Ван-Гог” [22]. Получился своеобразный, заслуживающий самого серьезного внимания спектакль, в котором исполнение главной роли А. Жарковым было заслуженно удостоено премии фестиваля.

Даже из упомянутых немногих примеров, очевидно, как ярка было палитра фестиваля.

Трудно переоценить его политическое и художественное значение. Фестиваль еще раз подчеркнул ту нерушимую связь, которая объединяет государства, идущие по пути социализма. Общими усилиями развиваем мы и совершенствуем социалистическую культура, социалистический театр.

Примечания

[1] 1981 г. 

[2] 1957 г. реж. В.Я. Станицын. 

[3] 1889 г. 

[4] 1941 и 1938 гг. соответственно.

[5] реж. В. Богомолов (1975 г.). 

[6] Спектакль был поставлен В.О. Поляковым в 1975 г. 

[7] 1968 г. 

[8] 1975 г.

[9] 1976 г. 

[10] 1919 г. (реж. А. Лаврентьев). В том же году был поставлен спектакль “Разбойники” (реж. Б.М. Сушкевич). 

[11] 1975 г.

[12] 1975 г.

[13] 1970-е гг.  (реж А. Матвеев). 

[14] 1963 г. 

[15] 1982 г. 

[16] 1963 г.

[17] Литературный театр при ВТО – Всероссийское театральное общество.

[18] 1945 г.

[19] 1975 г.

[20] Студенческий театр МГУ (1964 г.).

[21] 1975 г.

[22] 1977 г.

Подготовка к публикации Елены Минченковой, студентки образовательной программы " Медиакоммуникации " НИУ ВШЭ (проект "Архив театра", руководитель Е.И.Леенсон)